Charles Gagnon: Mon amie, Emilie Dickinson (série PDF)

printemps 2015



Mon amie, Emilie Dickinson (série PDF)

Ce travail assemble des images choisies, et produites à ma table de travail. Les variations matérielles qui les informaient existent maintenant en tant qu’impressions ; impressions parmi les choses rencontrées en marchant le long de la rue. Ces fichiers PDF (portable document format) sont imprimés pour les passants. Cette œuvre entretient une correspondance avec le travail d’Emily Dickinson, ainsi que celui de Susan Howe. Des textes voyageant sur terre et dans le temps.


My friend, Emily Dickinson (PDF series)

This piece brings together a series of images produced, and culled from my worktable. Initially existing in various medias, they have been assembled to now occupy these windows as printing. They are prints amongst things, seen as one walks by on the street. This is an aspect of art that interests me, its placement amongst other objects. These PDF (portable document format) are printed for the passer by. This work is one of correspondence with the works of two poets, Emily Dickinson, and Susan Howe. Travelling texts, through land, and through time.


I mourn this morning, Susie, that I have no sweet sunset to gild a page for you, nor any bay so blue – not even a chamber way up in the sky, as your’s is, to give me thoughts of heaven, which I would give to you. You know I must write you, down, down, in the terrestrial; no sunset here, no stars; not even a bit of twilight which I may poeticize – and send you! Yet Susie, there will be romance in the letter ride to you – think of the hills and the dales, and the rivers it will pass over, and the drivers and conductors who will hurry it on to you; and wont that make a poem such as can ne’ver be written? [Emily Dickinson]





Charles Gagnon est un artiste interdisciplinaire, et un enseignant. Il s’intéresse aux sens, principalement la sonorité et la tactilité des choses. Son travail est souvent exposé en des lieux de passages, tel la bibliothèque, le corridor, et le disquaire.


Charles Gagnon is an interdisciplinary artist, and a teacher. His work is concerned with the senses, principally the sonorous and the tactile of things. The work is often shown in public space such as a library, a hallway, and a record store.





Wilson Bueno via Erín Moure : Mer Paraguayenne


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august & october

réception / vernissage / lecture libre avec Erín Moure : le dimanche 10 août, 16 h à 19 h
reception / opening / wall-reading with Erín Moure: Sunday, August 10, 4pm to 7pm


D’août 2014 et jusqu’à ce que les pluies l’emportent, l’écrivaine Erín Moure et l’artiste Andrew Forster enveloppent la galerie-vitrine L’endroit indiqué et son édifice d’un ruban de texte extrait de la traduction d’Erín, en franglais et guarani, du livre magnifique Mar Paraguayo de l’écrivain brésilien Wilson Bueno.

From August 2014 until the rains bear it away, writer Erín Moure joins forces with artist Andrew Forster to wrap the window-gallery L’endroit indiqué and its building with magnificent text in Frenglish and Guaraní taken from her translation of the late Brazilian writer Wilson Bueno’s Paraguayan Sea.


Wilson Bueno (Jaguapita, Paraná, Brésil, 1949—Curitiba, Brésil 2010) est l’auteur de nombreux livres fondamentaux de la littérature moderne brésilienne : Bolero’s Bar (1986), Manual de Zoofilia (1991), Cristal (1995), Pequeño Tratado de Brinquedos (1996), Jardim Zoológico (1999), A Cavalo (2000), Amar-te a ti nem sei se com Carícias (2004) et Cachorros do Céu (2005).  Son ouvrage Mar Paraguayo (1992) est un cas particulier, il s’agit de la seule œuvre de Bueno écrite dans un mélange de trois langues: portugais, castillan et guarani. La première édition de Mar Paraguayo a été publiée par Iluminuras (Brésil, 1992) avec un prologue de Néstor Perlongher. Le livre a été republié dans sa version originale au Chili (Intemperie, 2001), en Argentine (Tse-Tsé, 2005) et au Mexique (Bonobos, 2006).  L’écrivaine et traductrice montréalaise Erín Moure en complète présentement une traduction en franglais qui sera publiée aux États-Unis afin de faire connaitre ce texte magnifique au nord des Amériques.

Wilson Bueno (Jaguapita, Paraná, Brazil, 1949—Curitiba, Brazil 2010) was well-known in Brazil, and wrote several books fundamental to contemporary Brazilian literature, such as: Bolero’s Bar (1986), Manual de Zoofilia (1991), Cristal (1995), Pequeño Tratado de Brinquedo” (1996), Jardim Zoológico (1999), A Cavalo (2000), Amar-te a ti nem sei se com Carícias (2004) and Cachorros do Céu (2005).  His Mar Paraguayo (1992) is a special case, the only work of Bueno written in a mixture of three languages: Portuguese and Spanish (or Portunhol) and Guaraní. The first editoin of Mar Paraguayo was published in 1992 in Brazil by Iluminaras, with a prologue by Néstor Perlongher. The book was republished in its original version in Chile, (Intemperie, 2001); Argentina (Tse-Tsé, 2005) and in Mexico (Bonobos, 2006).  Montreal writer and translator Erín Moure is completing a translation into Frenglish (leaving the Guaraní) for publication in the USA, so that this magnificent text can be read in the north of the Americas.


Erín Moure est à la fois poète, traductrice, éditrice, collaboratrice, essayiste, cycliste et cuisinière. Elle vit à Montréal et travaille un peu partout. Elle parle l’anglais, le français et le galicien. Elle traduit en anglais, généralement à partir du galicien, mais aussi du castillan et du portugais. Son ouvrage Insecession et sa traduction de Secession de Chus Pato on été publiés par BookThug en 2014.

Erín Moure is a poet, translator, editor, collaborator, essayist, cyclist and cook. She lives in Montreal and works all over. Her languages are English, French, and Galician and she normally translates into English; from her knowledge of Galician, she is also able to translate from Castilian Spanish and Portuguese. Her most recent book is Insecession, published in 2014 by BookThug in one voluem with her translation of Secession by Chus Pato.




extrait :

one dusk après une autre I sit ici on this sofa diagonal to the window, and in sitting it’s presque as if everything’s crumbling into bits: cramps in the guts: setting sun weaving humid nuances: spaces from où move déjà les occupations cérémoniales of light and lune: between the crowns of sombreros or entre les durs vides of the fig tree that devastate into shadow and suspicion in the crépuscule of the sea resort: figuier, couronne, sombreros: la ancestral speech of fathers and grands-pères that infinitely vanishes into memory, they entertain all speech et tricot: these Guaraní voices simplement eternalize as they go on weaving: ñandu: there is no better fabric than the web des feuilles tissées all together, ñándu, together and between the arabesques that, symphonique, interweave, checkerboard of green and bird et chant, in the happy amble of a freedom: ñanduti: ñandurenimbó:


Paraguayan Sea Soup

original introduction by Néstor Perlonguer, São Paulo, 1992, translated and intertweeted from Spanish by Erín Moure

Paraguayan Sea, by Wilson Bueno, is an exceptional event, of the kind that are usually so quiet they are almost imperceptible, detected only by those in the know. But once they happen, it’s as if they were always meant to exist. Everything’s the same yet, subtly, all is altered. The event pokes holes in our habits, and in the rhythms of the cosmos; its perturbations are tinged with an indescribable glint of the irreversible, of the definitive.

In this case, the event involves the invention of a language. Imitation and invention, says Gabriel Tarde, are the greatest of human passions (practices). Maybe it was Wilson Bueno who actually “invented” Portunhol (a Portunhol dappled with Guaraní which deploys from beneath, in the pulsing marrow of the language, something Argentinian—or Correntine— poet Francisco Madariaga invoked from above in his luxuriously humidly surrealist gaucho-Bedouin-Afro-Hispanic-Guaraní) or else, from his artistic Altazor, Bueno plucked it out, or snitched it from small talk, warm bowl in hand and the gringa keeping the maté topped up from the pot, outside behind the kitchen in wicker chairs in the yard. He grabbed it in Spanish and Portuguese, let it enter one ear without it escaping the other. It might seem a stretch but Wilson Bueno has something of Manuel Puig, whose writings, based in conversation, also shoot the breeze, and something of the commentator as well, because he absorbs then broadcasts in a common parlance. For almost all Hispano-Americans in Brazil express themselves in an inconsistent, precarious and fickle mix of languages.

This mixture, well entrenched, is not structured as a predetermined code of signification; it’s faithful only to its own capriciousness, deviance and error.

Portunhol is immediately poetic. Between the two major languages, there’s a vacillation, a tension, a constant oscillation: one is, at once, the “error” of the other and its possible destiny, uncertain and improbable. A singular fascination arises from this clash of deviances (as a linguist with a legal bent might say). There’s no rule of law: there’s grammar but it’s unruly; there’s orthography, but it’s erratic: chuva and lluvia in Spanish and Portuguese (spelled whichever way) coexist in the same paragraph, to mention but one of innumerable examples.

As aberrant mixture, Paraguayan Sea is akin to Paraguayan soup, a dish that, contrary to expectations, does not invite a soup spoon, but is a kind of sui generis omelet or corn bread. The waves of the Sea are tottering: who knows where they’ll topple, they lack harbour and itinerary; everything in them bobs in baroque suspension between prose and poetry, becoming-animal and becoming-woman.

Out of the breadth of this blooming Paraguayan Sea—which recalls a schoolchild’s epic poem by Esteban Echeverría, “incommensurable, open and mysterious from head to toe”—poetry catches us, leaps on us like a puppy—the microscopic Brinks—sometimes playful, sometimes savage. Perhaps it is poetry, for it appears—some critics would say—casually, without determination in the indeterminate.

A continual hilarity, unprovoked and born naturally from the linguistic amalgam, marks Bueno’s disquieting text. An avant-garde experience, the text can be compared to Catatau by Paulo Leminski (significantly, also from Parana) and, even more daringly, to Julián Ríos’s Larva: they all play with language, inventing and reinventing it. But whereas Catatau rests on the high culture that impregnates its subtext despite collapses, destructions and reconstructions, Bueno’s book is founded on a pathetic burst of laughter, the tragi-comedy of everyday agonies incarnated in the slippage of languages, one of those tragic soap operas that ends badly if at all, though one with more density, depth: it may seem entertaining but is no entertainment.

The merit of Paraguayan Sea lies precisely in the microscopic and molecular labour within its galloping inter-languages (or inter-rivers), within its indeterminations which function as a minor language (to echo Deleuze and Guattari) that mines the preposterous majesty of major languages, through which it wanders as if without intention, without system, completely untimely and surprising, like good poetry, never predictable. The tale is like Bueno’s Guaratuban doll-face who, in giving her dog kilometrically diminutive nicknames (blossoms plucked from Guaraní that irrupt to intensify the poetic temperature of the tale), extends the microscopia of its canine grandeur, to attract and seduce us with the motion of its bifurcated tail, as if it were mermaid pretending to be manatee, or manatee mimicking mermaid, until the sprinkled glitter of its scaly tail drowns us in the irridescent ecstasy of a vast, deep sea.

How, finally, to read Paraguayan Sea? Those with an obsession for plot (which exists but its matter is indecisive and entangled, given its porous composition) who ignore the poetic evolutions and mutations of its language will miss out, like those readers of (badly) translated pulp novels who gravitate toward half-digested plot resumés. Paraguayan Sea may be a torrid tale, but it can’t be turned into a tweet!


Vida Simon: Partage

mars-avril-mai 2014

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Bonjour mon cher!

Je vous écris avec respect et le cœur plein de larmes puisque nous n’avons pas connus ou rencontrés auparavant nous. Cette lettre doit venir à vous comme une surprise, mais je crois qu’il est seulement un jour que les gens se rencontrent et deviennent de grands amis et partenaires d’affaires. Je suis heureux de vous faire comprendre à une proposition d’affaires très urgente et rentable. Je tiens également à investir le fonds sous votre garde parce que je suis ignorant de monde de l’entreprise. Je suis dans un désir sincère de votre humble aide. Vos suggestions et idées seront très appréciés. Maintenant permettez-moi de poser ces quelques questions :

1. Pouvez-vous me honnêtement aider de votre cœur?

2. Puis-je vous faire entièrement confiance?

3. Quel est le pourcentage de la somme totale sera appreciateable par vous?



Vida Simon est originaire de Montréal. Elle a fait ses études au Nova Scotia College of Art & Design. Les œuvres de Vida ont été présentées à l’international dans maints contextes, dont des galeries, des chambres d’hôtel, des théâtres, des toits, une ancienne synagogue, une ancienne écurie, et recennement dans une vielle maison au Terre Neuve avec TO MAKE ENDS MEET. Parmi ses projets récents figurent des performances au festival de performance ZAZ (Israël) et à Interakcje (Pologne), des expositions à At Home Gallery (Slovakie), à Einheit 1 (Allemagne), et à Oboro (Montréal). En 2014 elle présentera son travail en Allemagne et en Iran. Son travail incorpore divers éléments qui sont remaniés et amalgamés afin de créer des installations et performances in situ. Le dessin agit comme fil conducteur au sein de sa pratique, étant une forme qui exprime de façon directe son désir de raconter par le biais du visuel, et son intérêt pour l’improvisation et la matérialité élémentaire. Que ce soit par le biais de miniatures artisanales ou de fragments trouvés dans la nature, le travail de Vida met en relief le détail, l’intime, et l’éphémère. Collaborer avec d’autres artistes et animer des ateliers d’art font également partie de sa pratique.




Hello my dearest One!

I am writing this with due respect and heartful of tears since we have not known or met ourselves previously. This letter must come to you as a surprise, but I believe it is only a day that people meet and become great friends and business partners. I am pleased to get across to you for a very urgent and profitable business proposal. I also want to invest the fund under your care because I am ignorant of business world. I am in a sincere desire of your humble assistance. Your suggestions and ideas will be highly regarded. Now permit me to ask these few questions:

1. Can you honestly help me from your heart?

2. Can I completely trust you?

3. What percentage of the total money will be appreciateable by you?



Vida Simon is from Montreal and studied at the Nova Scotia College of Art & Design. Her work has been presented internationally, in a wide range of contexts – galleries, hotel rooms, storefronts, theatres, rooftops, a former synagogue, an old horse stable, and most recently in an old house on Fogo Island, Newfoundland with the piece TO MAKE ENDS MEET. Other recent projects include performances at the ZAZ Festival of Performance Art (Israel), Interakcje (Poland), and exhibitions at At Home Gallery (Slovakia), Einheit 1 (Germany), and Oboro (Montreal). In 2014 she will show her work in Germany and Iran. Vida’s work incorporates various media combined to form site-responsive installations and performances. A running thread throughout her work is drawing: a form that most directly expresses her interests in visual storytelling, improvisation, and elemental materials. Whether through miniature handmade objects or fragments found in nature, her work often draws attention to the detail, the intimate, the ephemeral. As an extension of her practice, she often collaborates with other artists and leads art workshops.




Kendra Wallace: Imagined Restraint

mars-avril-mai 2013


Imagined Restraint (Contrainte imaginée)

« Lorsque j’ai placé l’image face à elle-même, cette répétition a permis à la simultanéité de s’engouffrer dans le temps : l’image est à la fois dans le passé, le futur imaginé et le moment perpétuellement suspendu qui pourrait être maintenant. » – KW

Née à Edmonton, Alberta, Kendra Wallace vit et travaille à Montréal, Québec et à Le Fresse, France. Elle a obtenu un baccalauréat en beaux-arts au Nova Scotia College of Art and Design et une maîtrise en beaux-arts à l’UQAM. Pour Wallace, la photographie illustre le phénomène de répétition dans le geste de voir. L’artiste met l’accent sur la nature fluctuante et transitoire du visuel, jouant de manière subtile sur la relation contradictoire qui lie permanence et impermanence. Son travail a été présenté récemment à Deluge Contemporary Art à Victoria (C.-B.), en exposition collective à la Galerie Simon Blais à Montréal, ainsi qu’à HBKSaar en Allemagne.


“When I turned the image towards itself this repetition opened time into simultaneity – at once it (the image) is in the past, the imagined future, and the perpetually suspended moment which could be now.” – KW

Born in Edmonton, Alberta, Kendra Wallace lives and works in Montréal, Québec and in Le Fresse, France. She studied at NSCAD (BFA) and UQAM (MFA). For Wallace, photography reflects on the phenomena of repetition that it introduces within the gesture of seeing. Wallace focuses on the fluctuating and transitory nature of the visual, pursuing subtle plays belonging to the contradictory relationship of permanence and impermanence.  Her works have been presented most recently at Deluge Contemporary Art in Victoria, BC, and group exhibitions in Montréal at Galerie Simon Blais, and at HBKSaar in Germany.


portes ouvertes design montréal

samedi, dimanche 4 et 5 mai

Portes Ouvertes Design Montréal 2013.


portes ouvertes2


L’Endroit indiqué participe aux Portes Ouvertes Design Montréal 2013, samedi et dimanche 4 et 5 mai 2013. Une collaboration entre l’Endroit indiqué, Andrew Forster et l’Atelier Big City.

De plus, cette année, les Portes Ouvertes Design Montréal coïncident avec le lancement de MENLO PARK, revue en ligne d’art et de design. Éditée par l’artiste et designer Andrew Forster, Menlo Park se consacre à une conversation sur la collision entre art, design, architecture et paysage.

Dans le premier numéro :
Stephen Horne : The Art-Architecture Complex de Hal Foster
Gregory Caicco : saint François d’Assise, artiste de performance et architecte
Grace McQuilten : The Social Studio et le sens du non-sens du sens de Takashi Murakami
André Jodoin : la connaissance pratique en art et en design
Patricio Davilla : la criticité et le design
Vito Acconci : marcher à travers le temps, Mur Island et construire sur un dépotoir (entretien avec Andrew Forster)

Visitez Menlo Park :
Visitez l’Atelier Big City :


l’Endroit indiqué welcomes ‘Portes ouvertes Design-Montreal 2013’, Samedi, Dimanche
4 et 5 mai 2013. A collaboration between l’Endroit indiqué, Andrew Forster and Atelier Big City.

This year Portes ouvertes Design-Montreal coincides with the launch of the online art and design journal MENLO PARK. Edited by Montreal artist and designer Andrew Forster Menlo Park is dedicated to a conversation in the collision space of art, design, architecture and landscape.

in the first issue:
Stephen Horne on Hal Foster’s Art-Architecture Complex
Gregory Caicco on Saint Francis of Assisi, performance artist and architect
Grace McQuilten on The Social Studio and Takashi Murakami’s meaning of the nonsense of meaning
Andre Jodoin on practical knowledge for art and design
Patricio Davilla on criticality and design
Vito Acconci on walking through time, Mur Island and building on the dump (interview by Andrew Forster)

Visit Menlo Park :
Visit l’Atelier Big City :

Sans titre

septembre 2012

Pour la rentrée 2012, l’endroit indiqué présente le travail photographique « Sans titre » de Andrew Foster (portraits  des résidents Anne Cormier et Randy Cohen).

For September l’endroit indiqué presents Untitled (portraits of residents Anne Cormier and Randy Cohen) by Andrew Forster.

Andrew Forster

bouche (exterieur)

juillet-aôut 2012


[apropos de Mouth (intérieur), installation à Latitude 53, Edmonton, 2012]: Pièce-dans-une-pièce, Mouth est une surface de tissu détachée des murs et du plafond de la galerie. Elle permet à la pièce existante de pendre, l’espace intérieur devenant une espèce de réplique ridée de l’espace architectural impeccable qui l’entoure et lui sert de support. Toute la surface interne de ce tissu est recouverte de texte, un motif de texte qui décrit cet intérieur en langage. Nous pénétrons dans cet espace et l’expérience est la même, quoique différente, comme éloignée de l’expérience que l’ont fait « normalement » d’une pièce. Ainsi, nous avons cette métaphore : bouche pour pièce et pièce pour bouche. Si nous nous demandons « qu’est-ce qu’une pièce ? », je veux nous attirer dans un espace imaginaire que nous ressentons comme n’étant ni à l’intérieur ni à l’extérieur, mais que nous éprouvons ou connaissons en détail. C’est le début de l’espace, avant qu’il ne soit dedans ou dehors. Donc, Mouth comporte une préoccupation architecturale ou spatiale. Si vous êtes architecte, c’est que (de manière tout à fait naturelle) vous avez mis de côté ce souci. La bouche est aussi la source du langage, de la construction d’un monde par les mots. Si vous êtes journaliste, c’est que vous avez mis de côté ce souci. J’ai travaillé sur une version d’une pièce de Beckett, That Time, en lien avec Not I, où une bouche désincarnée flotte dans l’espace, vomissant du langage, exprimant… une construction. Mouth s’intéresse à un moment différent de cette fabrication, avant que le langage ne nous expulse. Mouth porte le langage à l’envers, comme la doublure d’un costume, ou quelque chose de collé au palais. [Andrew Forster: Communiqué pour Latitude 53, Edmonton, 2012 pour + d’info et images voir]


[on Mouth (interior), installation at Latitude 53, Edmonton, 2012]: ‘Mouth’ is a room-within-a-room, a fabric surface pulled away from the walls and ceiling of the gallery. ‘Mouth’ allows the existing room to sag, the interior space becoming a kind of wrinkled replica of the crisp architectural space which surrounds and supports it. The entire inside surface of this fabric is printed with text, a pattern of text, which describes this interior in language.  We enter this space and the experience is the same but different, somehow estranged from our ‘normal’ experience of a room.

So we have this metaphor of mouth for room or room for mouth. If we are thinking, ‘what is a room?’, I want to draw us into an ‘imaginary’ space which we experience neither as inside nor as outside, but which we experience or know in detail. This is a beginning of space before it is inside or outside.  So ‘Mouth’ has this architectural-spatial concern. If you can be an architect, it is because you have skipped over this involvement. The mouth is also the source of language, of building a world through words. If you can be a journalist it is because you have skipped over this threshold. I’ve been re-working a version of a Beckett piece, “That Time” (for about ten years) which is related to Beckett’s ‘Not I’, the piece where a disembodied mouth floats in space, spewing language, expressing… building. ‘Mouth’ is interested in a different part of this ‘build’, before language puts us outside. ‘Mouth’ wears language on the inside, like the lining of a suit, or something stuck to the roof of your mouth.

André Jodoin

vanitas 16:9

mars-avril 2012


Observable de la rue, les soirs de mars et d’avril, Vanitas 16:9 se présente sous la forme d’une série (potentiellement infinie) de photographies d’objets quotidiens, dans laquelle chaque image s’écarte légèrement d’une documentation traditionnelle.

« La tradition européenne de la vanité peut s’appliquer au rôle qu’occupe la télévision haute définition au sein du foyer contemporain. En effet, la poursuite industrielle de la haute définition se justifie en général par une aspiration à la vérisimilitude. Cependant, tout en diffusant des nouvelles du monde, la télévision haute définition nous fait oublier le compte rendu quotidien des morts innombrables et indifférenciées qui accompagnent ce processus.

D’un point de vue intellectuel, associée au genre de la vanité, l’action du temps sur l’objet est habituellement représentée comme venant du passé, de l’usure quotidienne, des intempéries, des accidents, etc. Ici, l’action du temps est provoquée par le futur, c’est-à-dire par le design » – AJ

André Jodoin vit et travaille à Toronto.


Vanitas 16:9 is a (potentially endless) series of photographs of everyday objects, each image slightly deviated from a conventional documentation. Vanitas 16:9 can be seen from the street, evenings during March and April.

“The European tradition of vanitas seems relevant to the role of high definition television in the contemporary home. The industrial pursuit of high definition is typically justified by an appeal to verisimilitude. However, in the process of distributing news of the world, high definition television distracts us from the daily reports of massive, undifferentiated death that accompany it.

“In the intellectual genre of vanitas, the action of time on objects is usually portrayed as coming from the past, by daily use, the effect of weather, accidents, etc. This portrayal considers the action of time coming from the future, that is, by design.” –AJ

André Jodoin lives and works in Toronto.


Andrew Forster


hiver 2011-12


Jusqu’à la fin février, l’endroit indiqué présente Motorcade, une photographie d’Andrew Forster. L’œuvre capture une performance qui recrée deux images. Un glissement contextuel révèle subtilement la vigilance des protagonistes et des protocoles de sécurité bien rodés. Menace et vigilance laissent toute la place à la présence théâtrale du politicien.

January and February at l’endroit indiqué: Motorcade, a photograph by Andrew Forster. Performers recreate two news images in one photograph. A shift in context revealing subtle gestures of vigilance and rehearsed security protocols. Menace and vigilance make space for the theatrical openness of the politician.

Ælab / Gisèle Trudel


été – automne 2010



Découvrir et sentir la fenêtre, la rue, la nuit, différemment. Relier l’intérieur et l’extérieur grâce à une émanation débordante colorée. De curieuses lueurs à voir de proche et de loin.

Gisèle Trudel est artiste, et professeure à l’École des arts visuels et médiatiques de l’UQAM depuis 2003. Ses projets en arts médiatiques sont réalisés sous le nom de  Ælab, une cellule de recherche artistique qu’elle a fondée en 1996 avec le musicien et ingénieur du son, Stéphane Claude. Ils invitent artistes, auteurs, philosophes et scientifiques à collaborer avec eux, explorant l’interstice fécond entre les arts, la science, et les formes d’expression expérimentales.


Discovering the window, the night, and feeling differently. Linking the inside to the outside as colored light emanates outward. Inquisitive glows to be seen close and far.

Gisèle Trudel is an artist, and professor at UQAM’s École des arts visuels et médiatiques since 2003. Her projects in media arts are produced under the name  Ælab, an artistic research unit established in 1996 with musician and sound engineer Stéphane Claude. They invite artists, authors, philosophers and scientists to collaborate with them. Together they explore the fertile interstices between the arts, sciences through experimental forms of expression.

[Soutien technique : HexagramUQAM / Assistance à la présentation : Simon Rolland / Remerciements : Andrew Forster, Atelier Big City]


Susie Major & Andrew Forster

Les errances d’Alexandre

(The Wanderings of Alexander)

été 2005


Quant à toi, tu prétends que tu es venu à la poursuite de bandits, mais pour tous les peuples que tu as visités, le bandit, c’est toi. Tu as pris la Lydie, vaincu la Syrie, soumis la Perse; les Bactriens sont sous ton joug, et tu te diriges maintenant vers l’Inde. Voilà que tu tends tes mains avides, insatiables, vers nos troupeaux. Qu’as-tu besoin de nos biens ? Ils ne feront que stimuler ton avidité. Tu es le premier homme à avoir causé la faim par ses richesses; car plus tu possèdes, plus tu désires ce que tu ne possèdes pas. Ne vois-tu pas que tu as été longtemps retenu en Bactrie ? Alors que tu soumettais les Bactriens, les Sogdiens ont entamé les hostilités. Sous ta gouverne, les tributs de la victoire étendent les guerres. Peu importe à quel point tu surpasses les autres en force et en pouvoir. Le fait demeure : personne ne veut d’un maître étranger.

Histoire d’Alexandre, Quintus Curtius Rufus (10 av. J.-C. – 53 ap. J.-C.)


As for you, you proudly claim that you come in pursuit of bandits, but to all the people you have visited you are the bandit. You took Lydia; you over-ran Syria; you are in control of Persia; you have the Bactrians in your power; you have set your course for India. Now you are stretching out your greedy, insatiable hands toward our flocks. Why do you need riches? They merely stimulate your craving for more. You are the first man ever to have created hunger by having too much – so that the more you have the keener your desire for what you do not have. Do you not realise how long you have been delayed around Bactria? While you have been subjugating the Bactrians, the Sogdians have commenced hostilities. In your case victory spawns further war. No matter how far you surpass others in power and strength, the fact remains that nobody wants a foreign master.

‘The History of Alexander’ by Quintus Curtius Rufus (10 BCE – 53 CE)